Los 12 personajes de Wes Anderson que lo convirtieron en un ícono

Todos deberíamos esforzarnos por alcanzar el optimismo a largo plazo que Dignan (Owen Wilson), el protagonista del primer largometraje de Anderson, Cohete de botella, tiene en el plan de su vida. Sin embargo, probablemente no deberíamos basar un plan de 75 años en tropezar en la escalera del subir por la escalera del submundo de la criminalidad. Aun así, la exageración absurda de Dignan de emociones humanas identificables, como el miedo a la mediocridad y el anhelo de un propósito, se convirtió en una marca de Anderson que ha hecho que sus personajes nos han amado durante décadas.

Aunque Dignan no está tan desarrollado como los personajes posteriores de Anderson, la profundidad de su delirio cambia de cómico a cautelar en los momentos finales de la película. Mientras está sentado en prisión, sus últimas palabras: “Nunca me atraparán, hombre. Porque soy jodidamente inocente”, encapsulan perfectamente su inquebrantable creencia en su propia fantasía. Incluso en la comedia, Anderson crea personajes que pueden hacernos cosquillas en el hueso gracioso mientras, al mismo tiempo, nos rompen el corazón.

Steve Zissou (Bill Murray) encarna la grandiosidad tragicómica que define a los mejores personajes de Wes Anderson: un hombre que se aferra a su gloria pasada mientras apenas mantiene unida su vida personal. Su búsqueda para matar al tiburón jaguar que se comió a su mejor amigo tiene menos que ver con la ciencia y más con demostrar que todavía importa, lo que hace que líneas como "¿Cuál sería el propósito científico de matarlo?" sean a la vez hilarantes y desgarradoras. Su pavoneo en cámara lenta a través de su bote Belafonte, con “Queen Bitch” de David Bowie, lo retrata como un hombre desesperado por mantener su leyenda, incluso mientras el mundo sigue adelante sin él.

Sin embargo, en el momento más vulnerable de la película, cuando finalmente ve al tiburón, su susurro: “Me pregunto si me recuerda”, convierte su venganza en una aceptación agridulce. Murray da vida a Zissou con un equilibrio perfecto de humor inexpresivo y melancolía tranquila, entregando En línea con el tipo de carisma sin esfuerzo que lo hace absurdo y profundamente humano al mismo tiempo. Ya sea que esté enfurruñado con su traje de neopreno o animando a su disfuncional tripulación, la presencia de Murray hace de Zissou algo más que una parodia de aventureros fracasados: lo hace inolvidable.

Max Fischer (Jason Schwartzman) es el modelo a seguir para muchos de los mejores personajes de Wes Anderson: un soñador demasiado confiado, a partes iguales genio y desastre, cuya ambición supera con creces su capacidad. Rushmore como si fuera suyo, a pesar de ser uno de los peores estudiantes de la escuela, y su creencia en su propia brillantez es tan inquebrantable que incluso cuando está fracasando, sigue convencido de que está ganando. Su frase, “Salvé el latín. ¿Qué hiciste alguna vez?", captura perfectamente el delirio. Max tiene una importancia personal que lo hace tan divertido como extrañamente inspirador. Al igual que Steve Zissou o M. Gustave, Max no solo busca el éxito, sino que también crea su propia leyenda, ya sea a través de su imposible proyecto de acuario o de su obra de teatro sobre la guerra de Vietnam. El cielo y el infierno.

Pero los mejores personajes de Anderson no son solo dibujos animados; son figuras profundamente humanas y llenas de defectos que esconden un dolor real debajo de sus peculiaridades. La angustia de Max por la señorita Cross (Olivia Williams), su amistad que se desmorona con Herman Blume (Bill Murray) y su desesperación por ser importante en un mundo que le sigue diciendo que no lo es, lo convierten en uno de los protagonistas más duraderos de Anderson. Y, sin embargo, al final, mientras orquesta Al asistir a una última gran producción (no una obra de teatro, sino una reconciliación), Max aprende que, a veces, los gestos más grandiosos no tratan de demostrar su valor, sino de hacer las paces. Mientras suena “Ooh La La” de The Faces y él toma la mano de Miss Cross para bailar tranquilamente, Max se une al legado de los personajes más inolvidables de Anderson: un extraño, un soñador y una leyenda en su propia mente, pero una a la que no podemos evitar apoyar.

Augie Steenbeck (Jason Schwartzman) podría ser el personaje más emocionalmente abandonado que Wes Anderson haya creado jamás: un experto en capturar el mundo a través de su cámara, pero completamente incapaz de estar presente en su propia vida. Cuando su esposa muere, no se lo dice a sus hijos durante tres semanas, esperando hasta que están literalmente varados en medio de la nada antes de finalmente dar la noticia con toda la calidez de un informe meteorológico.

“Está en el Tupperware”, dice rotundamente, sosteniendo las cenizas como si fueran solo otra pieza de equipaje. Pero el dolor de Augie no es ruidoso ni teatral: está enterrado tan profundamente debajo de su actitud inexpresiva que ni siquiera él parece reconocerlo. Ciudad asteroide como un hombre que ensaya un papel que ha olvidado cómo representar, apoyándose en la seguridad de su rutina y manteniendo todo —sus emociones, sus hijos, incluso a sí mismo— a distancia.

Sus momentos con Midge Campbell (Scarlett Johansson) ofrecen un vistazo de algo crudo, algo fuera de guión, en particular su tranquilo y sorprendente intercambio a través de la ventana del motel, donde ella le dice que “simplemente lo sienta” y él admite: “No sé cómo”. Pero el verdadero punto de quiebre de Augie no llega en el mundo de Ciudad asteroide, pero en el vacío en blanco y negro de la producción de la meta-obra, cuando sale completamente de sí mismo y le pregunta al director: "¿Lo estoy haciendo bien?" Es lo más vulnerable que podría decir, no solo sobre la actuación, sino sobre todo. Sobre el duelo. Sobre la paternidad. Sobre simplemente existir. Y de alguna manera, ese único momento, simple, directo, desgarrador, consolida a Augie como uno de los personajes más dolorosamente reales de Anderson.

Francis Whitman (Owen Wilson) es el tipo de persona que les entrega a sus hermanos itinerarios plastificados para su propia sanación emocional, como si un horario estricto y unos pocos templos sagrados arreglaran mágicamente todo lo que está roto entre ellos. Después de casi morir en un accidente de motocicleta, reúne a su hermano distanciado. Los estudiantes se preparan para un “viaje espiritual” por la India, pero su idea de iluminación tiene menos que ver con el autodescubrimiento y más con visitas a templos cuidadosamente programadas y planes de viaje plastificados. “Quiero que seamos completamente abiertos unos con otros”, declara, antes de dictar exactamente cómo deberían sentirse y qué deberían decir.

Su rostro, medio cubierto de vendajes, es una metáfora visual perfecta de las heridas que se niega a reconocer. Pero debajo del optimismo forzado y el liderazgo asfixiante, Francis se está ahogando en un trauma sin resolver, atormentado por un padre que no le dejó nada más que un equipaje a juego y una madre que los abandonó por completo. Su punto de quiebre llega en un momento tan ridículo como crudo: de pie en la cima de una colina, gritando: "¡Tomemos una copa y hablemos de ello!", como si la curación pudiera programarse como una parada en boxes. Solo cuando finalmente se suelta, literalmente, dejando caer las maletas de su padre en los momentos finales de la película, comienza a comprender que algún equipaje es demasiado pesado para llevarlo para siempre.

Puede que Francis nunca encuentre el despertar espiritual que se propuso, pero en esa rendición silenciosa encarna uno de los temas más perdurables de Anderson (la ilusión de control frente al dolor) y se consolida como una figura fundamental en el legado de Anderson de personajes que enmascaran heridas emocionales profundas con exteriores cuidadosamente seleccionados.

Pregúntele a cualquiera que se haya alojado en el Grand Budapest Hotel y le dirán lo mismo: M. Gustave (Ralph Fiennes). era el hotel. Como muchos de los mejores personajes de Anderson, es a la vez una figura de control y un hombre completamente fuera de su elemento, aferrado a una versión del mundo que ya no existe. Opera con un encanto impecable y una etiqueta rígida, convencido de que la poesía, el perfume y los modales perfectos pueden contener las mareas de la guerra y la traición. Pero debajo del exterior cuidadosamente curado yace algo más profundo: un hombre aterrorizado por la irrelevancia, desesperado por preservar la belleza en un mundo que parece decidido a borrarla.

Él encaja perfectamente en el linaje de hombres complicados de Anderson, desde la automitología de Royal Tenenbaum hasta la grandiosidad delirante de Steve Zissou: personajes que representan su propia importancia incluso cuando sus identidades cuidadosamente construidas comienzan a desmoronarse. Lo que no solo es olvidable es su refinamiento, sino también su desafío, la tragedia silenciosa de alguien que se niega a aceptar que las reglas han cambiado. Y, sin embargo, a través del recuerdo de Zero (Tony Revolori), él perdura: un eco de grandeza perdida, tan frágil y fugaz como el hotel mismo.

Nadie podría crear un personaje como Arthur Howitzer Jr. (Bill Murray), excepto Wes Anderson. Es un Hombre de autoridad silenciosa, profundo sentimentalismo y una devoción inquebrantable hacia un mundo que se está desvaneciendo. Howitzer es una figura que mantiene unido el caos con un toque firme pero suave. Hace cumplir una política hilarantemente estricta de no llorar, pero es el primero en ver la humanidad en las historias que sus escritores le traen, dando forma a sus excentricidades en expansión en algo refinado.

Debajo de su brusco pragmatismo se esconde algo profundamente sentimental: es un editor que cree verdaderamente en la belleza de contar historias, incluso cuando el periódico en sí se desvanece en la memoria. La actuación de Bill Murray aquí es la mejor que ha hecho en cualquier película de Anderson (ha participado en diez), una clase magistral de calidez discreta e ingenio seco, que encarna Con solo una ceja levantada, un consejo breve —“Intenta que suene como si lo hubieras escrito así a propósito”— o una mirada tranquila y cómplice, le da a Howitzer la presencia brusca pero profundamente sentimental que lo hace sentir como el alma de la sala de redacción.

Hay un cierto tipo de tristeza que recorre las películas de Wes Anderson, una melancolía profunda y no expresada debajo de la simetría y las paletas de colores pastel, y ningún personaje la encarna más plenamente que Richie Tenenbaum (Luke Wilson). Entre el panteón de genios emocionalmente atrofiados, visionarios descarriados y almas perdidas de Anderson, Richie se destaca como quizás el ejemplo más puro de desamor tranquilo e inquebrantable.

Richie apenas expresa su dolor en voz alta, en cambio lo lleva en su postura encorvada, sus constantes lentes de sol, sus medias sonrisas resignadas. Es un hombre que una vez tuvo un lugar en el mundo —elegante, adorado, talentoso sin esfuerzo— pero ahora se aleja de él, deshecho por un amor que nunca podrá tener del todo y una familia con la que no sabe cómo reconectarse.

Lo que hace de Richie una de las mayores creaciones de Anderson no es solo su tristeza, sino también su ternura subyacente; tiene el corazón más tierno de todas las figuras trágicas de Anderson, y mientras otros caen en una espiral de narcisismo o autocomplacencia, el dolor de Richie es privado, contenido y profundamente humano. En un mundo de personajes que persiguen el potencial perdido, él es el que parece saber, en el fondo, que ya se ha ido, y sin embargo, de alguna manera, todavía se aferra a la más mínima esperanza de que quede algo hermoso.

Hay una energía inquieta en el Sr. Fox (George Clooney) que lo convierte en uno de los personajes más atractivos de Wes Anderson: un pícaro atrapado entre el animal salvaje que nació para ser y el hombre de familia domesticado en el que intenta convertirse. En el fondo, es una criatura impulsiva que siempre busca la siguiente emoción, ya sea robar gallinas o burlar a los granjeros, incluso mientras las consecuencias se acumulan a su alrededor.

Lo que lo hace tan fascinante no es solo su encanto o inteligencia, sino la inseguridad subyacente que lo impulsa: anhela ser excepcional, ser recordado, ser... más más que otro zorro que intenta llevar una existencia normal. Y, sin embargo, debajo de la bravuconería, hay un dolor de autoconciencia: sabe, en el fondo, que su imprudencia pone en riesgo todo lo que ama, que su necesidad de demostrar su valía es tanto un defecto como un don.

En un mundo de fotogramas perfectamente ordenados en stop-motion, él es una explosión de caos, una contradicción, un personaje cuyos triunfos siempre tienen un coste. Y, sin embargo, como todas las mejores creaciones de Anderson, es imposible no apoyarlo, porque no importa cuántos errores cometa, no importa cuánto pierda, nunca deja de alcanzar algo más grande, incluso si es solo un último atraco perfectamente ejecutado.

Es casi absurdamente gracioso que el mismo actor que interpretó a Walter White, el despiadado y calculador capo deHacerse maloTambién puede ofrecer una interpretación profundamente sentida y convincente como un perro callejero gruñón en una película stop-motion de Wes Anderson. Hay una crudeza en Chief (Bryan Cranston) que lo distingue de los otros perros en Isla de los perros—un vagabundo desgarbado que lleva su independencia como una armadura, convencido de que está mejor solo.

A diferencia de las mascotas mimadas exiliadas en Trash Island, Chief nunca ha conocido el afecto humano y resiente la idea misma de servidumbre. Pero lo que lo convierte en uno de los mejores personajes de Wes Anderson no es solo su dureza o su mordacidad, es el lento y renuente desenmarañamiento de sus defensas. Debajo de su exterior brusco, hay un profundo y tácito anhelo de pertenecer, un destello de incertidumbre que crece a medida que se vincula con Atari, el niño que ve más allá de sus gruñidos hacia algo más gentil debajo.

Su transformación, de un solitario cínico a un protector leal, es uno de los arcos más conmovedores de Anderson, que demuestra que incluso las criaturas más endurecidas pueden encontrar su lugar en el mundo. Y en una película llena de belleza simétrica y precisión, Chief sigue siendo una contradicción gloriosa: una criatura de instinto que lucha con el peso desconocido del amor.

Puede resultar difícil aceptar que Wes Anderson, un cineasta conocido por sus adultos intrincadamente dañados (hombres agobiados por el amor perdido, padres ahogados en el arrepentimiento), haya creado sus personajes más conmovedores en dos niños de 12 años que se escapan de casa con un gato, una maleta y un tocadiscos. Pero es cierto. Sam y Suzy (Jared Gilman y Kara Hayward) en Reino de la salida de la luna No son solo niños jugando a las casitas; son dos almas que, a pesar de su edad, se entienden de una manera que los adultos que los rodean nunca podrían.

Sam, un huérfano y paria entre sus compañeros, es pragmático y ferozmente leal, mientras que Suzy, con su mirada penetrante y sus libros robados de la biblioteca, lleva la furia silenciosa de alguien que se siente fundamentalmente invisible. Juntos, crean un mundo propio, un refugio secreto en una isla donde pueden existir sin ser juzgados. Pero lo que los convierte en los mejores personajes de Anderson no es solo su aventura rebelde, es la seriedad de su amor, la forma en que abordan la vida con la sinceridad que solo los niños pueden tener.

En un mundo de adultos emocionalmente atrofiados, Sam y Suzy son los únicos lo suficientemente valientes para exigir algo más: una vida donde sean comprendidos, donde pertenezcan. Y eso es lo que hace que su historia, a pesar de su capricho pastel, sea la más profundamente humana que Anderson haya contado jamás.